ワンショット映画として話題の「1917」について、その方法を解説している動画がありました。基本的にはバラバラに撮影した映像をうまくつなぎ合わせることで、ワンショットに見せているのですが、それには大変な苦労があったようです。
シーンをつなぎ合わせる。
これは「1917」からのショットで、ジョージ・マカイ演じるスコフィールド伍長が、破壊された町を駆け抜け、高台から川に飛び降りる様子が描かれている。一見、一本の連続撮影のように見えるが、これに至るまでのシーンを見てみると、カメラクルーはジープやバイク、さらには徒歩でジョージを追いかける必要があったのだ。俳優はその後、マットの上に棚から飛び降りた。それは川に飛び込む文字の別のショットと一緒に繋げられた。これは、映画製作者たちがこの映画をすべて一発撮りであるかのように見せるために行った多くの巧妙な方法の一つに過ぎないのだが、正確なタイミング、最高レベルの計画、そして信じられないほど巧妙な撮影と編集を必要とした。
ワンショット映画としての挑戦。
第一次世界大戦中のドラマ「1917」は、攻撃を止めるためにメッセージを伝えようとする二人の若い兵士の姿を描いたもので、実際には一回のテイクで撮影されたのではなく、連続したノーカットのショットを巧みにつなぎ合わせて一回のロングテイクのような感覚で撮影されている。これは以前にも行われていたが、「1917」は映画製作者に多くの新しい課題を提示した。ワンショット映画の初期の例としては、アルフレッド ヒッチコックの『ロープ』が挙げられるが、最近の例としては『バードマン』がある。「1917」は、その執拗なアクションと常に変化する地形で、それをさらに一歩進めてる。同じ場所は二度と利用されていない。この困難なタスクを任されたのは、撮影監督のロジャー・ディーキンズ。ディーキンズは、『スカイフォール』や『ボーダーライン』のような映画における彼の見事な仕事のおかげで、今日生きている最も偉大な撮影監督としての評判を得ている。『ブレードランナー2049』でアカデミー賞最優秀撮影賞を受賞。
「これは全ての映画に当てはまるようなスタイルの映画ではなく、非常に特殊な撮影なんです。」
模型を使った入念な下準備。
サム・メンデス監督は、第一次世界大戦で戦っているイギリス軍の兵士の姿を観客に見せることで、没入感のある体験を作りたいと考えた。細長い塹壕の中を移動する兵士たちの顔にカメラを向けたのは、その大きな側面でした。まず第一に、撮影クルーが長時間の撮影をするため、「1917」は一般的な映画以上の準備を必要としました。例えば、撮影クルーはあらゆるセットのモデルを作っていました。二人の兵士が訪れるこの農家。これは彼らが作った模型で、このように映画の中で登場しました。模型は、撮影クルーが全体のシーンがどのように見えるべきかを確認するのに役立ちます。スコフィールドが破壊された街を走るシーンでは、空にフレアが灯っていました。というのも、このシーンではフレアが主な照明源となっていたからです。撮影クルーは、フレアがどのくらいの時間空を飛んでいるかを正確に把握する必要がありました。そこで彼らは、影がどの方向に動くのか、建物の窓から光がどのように落ちるのかをトレースした光の仕掛けを使って、街のミニモデルでテストを行いました。風景やセットを実際に見たことは、連写の全体像を把握する上で重要なことでした。
正確な計測による撮影。
美術部は一からリアルなセットを作りました。各セットはカメラパスに対応する必要がありました。例えば、無人地帯で二人の兵士が通った有刺鉄線は、カメラが通れるように角度をつけた通路になっていた。傾斜路のおかげで、カメラは無人地帯からドイツの下層の塹壕へと入ることができました。一方、トンネルの入り口はカメラとカットに合わせて正確な長さにしなければなりませんでした。一つの窓は、カメラが通過できるようにバラバラに作られていました。おそらく最も印象的だったのは、乗組員が作らなければならなかった5200フィートの塹壕でした。この狭い通路では、最もアクション性に富んだチャレンジングなショットがいくつか発生するため、すべてを測定することが非常に重要でした。どのシーンも土地の長さが正確でなければなりませんでした。8分で撮影した場合、特定のエリアを通過するのに丁度その時間が必要でした。
スタジオでの入念なリハーサル。
Voxのインタビューでは、Mendezは、彼らが正確にどのくらいの時間が必要であるかを知るまで、彼らがセットを埋めることはないだろうと述べました。これには多くのリハーサルが必要です。すべての映画にはリハーサルが必要ですが、『1917』の場合はもっと長くて厳しい作業でした。ほとんどの映画でディーキンズによると、これらのリハーサルは撮影の日に行われます。しかし、「1917」のウォークスルーはかなり前から行われていました。彼らはロンドン近郊のシェパートン・スタジオでリハーサルを開始し、その後セットに移りました。台詞の一つ一つがロケでリハーサルされていました。彼のブロッキングとリハーサルのプロセスは4ヶ月間続きました。土地勘を身につけ、すべての俳優が自分たちのセリフを理解し、自分たちのマークに合っていることを確認した後、いよいよ撮影が始まりました。
カメラにも一工夫。
この錯覚を解くためには、もう一つ重要なステップがありました。カメラは後方には動かないこと。前方にしか動きません。登場人物は出発点と目的地が決まっていて、戻ることはできませんでした。そのための一つの解決策として、カメラを360度動かせるようにすることが挙げられます。これにより、スタッフは常に前進し、目に見えるハードカットを作らずにキャラクターを追うことができました。この規模の作品には重機が必要です。しかし、移動が必要なカメラをどうやってクルーが扱うことになっているのでしょうか。解決策は、通常よりもはるかに軽く、小さくなったハイビジョンカメラの新しいモデルです。これは、ディーキンズにも同じように素晴らしい画質を与え、より携帯性とカメラをより迅速にクレーンやドローンのようなものに取り付けることができるようにした。より重いカメラでは、クルーのスタビライザーは機能しませんでした。これは、カメラオペレーターが歩いて兵士の後を追いかける際に重要な役割を果たしました。
「クリエイティブにサムと話し合ったんだけど、カメラはかなり安定したものにしたかったんだ。ジャケットカメラとかはいらなかった。」
クレーンやドローンを使っての撮影。
このような写真を撮影するために、ワイヤーに沿ってカメラが走っていたので、カメラを軽くする必要があった理由は理解できます。スコフィールドが、壊れた橋を飛び越えるところです。無人地帯を通過するときもカメラもワイヤーで移動していました。カメラのオペレーターがこのワイヤーから簡単に外すことができます。スコフィールドが川を下った時、ほとんどはクレーンで撮影されました。キャラクターが18フィートの滝のセットを落下するシークエンスの一部をドローンにカメラを取り付けて撮影しました。
セットを照らす方法。
絶え間ない動きは、もう一つの大きな課題を生み出しました。シーンを照らすこと。彼らは人工的な照明を使用していました。例えばこの50フィートの高さのライトタワーは火の色を作るために調光され、それは傷ついた村全体を照らすことも意図していました。しかし、もし彼らが塹壕にライトを置くならば、彼らは誤って映画の多くの360度のショットの1つの間に画面に表示されるかもしれません。だから、彼らはほとんど自然光に頼っていました。晴れの日よりも曇りの日の方が最適で、晴れの日はより多くの影を意味していました。
「いつ曇るかと思って天気アプリを見ています。そして、その雲は5分間の撮影をするのに十分な長さになるだろうかって。」
また、映画はリアルタイムで行われているため、照明は一貫したものでなければなりませんでした。少しでも太陽が空に出すぎると、制作を停止しなければならなかったのです。
シーンをつなぎ合わせる為の工夫。
ディーキンズは、ショットがどのように見えるかだけでなく、ポストプロダクションでどのようにつなぎ合わせられるかを知る必要がありました。ディーキンズとメンデスは、観客に気づかれないようにカットする微妙な方法を見つけました。これはまた、編集者のリー・スミスを大いに助けてくれたでしょう。時折、オブジェクトでフレームを塞ぎました。扉を通って移動したり、バンカーに入ったりするショットもカットがしやすくなりました。この撮影では、主人公二人が黒いカーテンをくぐって歩きます。他のショットでは、より巧妙なトランジションが必要でした。スコフィールドが燃える街を走って川に飛び込むシーン。舞台裏で同じショットを見ると、ジョージが同じ街を走り抜けて岩棚から飛び降りるのが見えます。しかし、川の代わりにマットの上に飛び乗るのです。いくつかの視覚効果の助けを借りて、編集者は、人物がレッジを飛び降りる場面と、流れにに入る場面をつなぎ目なくつなげることができました。そこに至るまでを撮影するために、カメラクルーは俳優の一挙手一投足に完全に同調しなければなりませんでした。迷路のようなシークエンスの一部では、オートバイに取り付けられたカメラで彼を追いかけていました。躍動感を出すためには、より長い柔軟性のあるクレーンにカメラを取り付ける必要がありました。しかし、どの挑戦も、スコフィールドが戦闘中に塹壕に沿って走るクライマックスのシークエンスを成功させるのには敵わなかった。それを撮るのは大変な努力だった。
もっとも困難だったクライマックス。
「50フィートのテクノクレーンから始めました。それはジョージに向かって右手側から構えていました。カメラがアームで旋回しながら、それは彼と一緒に塹壕を登っていきます。彼は塹壕の上で躊躇しています。そして、そのテクノクレーンからカメラを外すのですが、というのは基本的に「ステイブライ」と呼ばれる安定した装置の上にカメラを置いていたからです。そして、別のテクノクレーンに引っ掛ける。と、そのテクノクレーンは追跡車の後ろに乗っていて、すでにゆっくりと後ろへと動いています。彼らがそれを引っ掛ければ、それはすべて後ろへ向かう1つの動きになります。ジョージがスピードを上げて走り出す。その間、コスチュームを着た二人がそれを持ちます。だから、彼らはショットの後ろを横切ることができるという逃げ道があるのです。その時点まではコスチュームを着た彼らを見れませんでした。その日はエキストラでのお金ももらっていたので、かなり嬉しかったとのこと。」
完璧な中でのアクシデント。
カメラがトラックに乗った後は、約4分の1マイルを走ったジョージの後を追わなければなりませんでした。その間、背景には爆発が起きていました。ディーコンズの話では、戦車４両分の爆薬しかなかったそうです。そして、彼らのたゆまぬリハーサルとウォークスルーのおかげで、予定通りに完成させることができました。そして、撮影中のすべての作業が正確でなければならなかったが、それでも事故の余地はあった。ジョージが塹壕の外に出てくると、彼がエキストラにぶつかっているのが見えます。俳優がたまたまぶつかっただけでカメラを回し続けていたんです。もし彼らがすぐにカットを要求していたら、戦争の混乱を捉えたこの素晴らしい本物の瞬間は、映画にはならなかったでしょう。
This shot from “1917” shows Lance Corporal Schofield played by George Makai running through destroyed town and jumping off a high ledge into a river. It seems like just one long continuous take, however if you look behind the scenes leading up to this, the camera crew had to chase after George by jeep, motorcycle and even by foot. As the actor then jumped off a ledge onto a mat. Which was cobbled together with another shot of the character jumping into a river. This is just one of the many crafty ways the filmmakers made the movie look like it is all just one single shot. Getting it right required precise timing, the highest level of planning, and some incredibly clever shooting and editing.
The entirety of “1917”, a drama set during world war one, follows a pair of young soldiers trying to deliver a message to stop an attack. It was not actually shot in one take, but rather a series of continuous uncut shots that were then cleverly connected to give the feeling of one long take. While this has been done before, “1917” presented many new challenges for the filmmakers. One of the earliest examples of a one-shot film was Alfred Hitchcock’s “Rope”. A more recent example is “Birdman”. “1917” pushes it a step further with its persistent action and the constantly changing terrain. It never uses the same location twice. Who was up for this daunting task, cinematographer Roger Deakins. Deakins earned a reputation as well the greatest cinematographers alive today, thanks to his masterful work on movies like “Skyfall” and “Sicario”. He earned the best cinematography oscar for “Blade Runner 2049”.
“I mean this is not for the style of filmmaking that is right for every film. It’s very particular filming.”
Director Sam Mendes wanted to create an immersive experience and put the audience in the shoes of a British soldier fighting in world war one. Getting the camera right up in the soldiers faces as they move through long narrow trenches was a major aspect of that. First off because of all the long takes the crew would be shooting, “1917” required even more preparation than the average movie. For example, the crew built models of every single set. Like this farmhouse that the two soldiers visit. Here is the model they built, and here’s how it appeared in the movie. The models help the crew see how the overall scene should look. Take the scene where Scofield runs through a destroyed city, it was lit up by flares in the sky. Because the flares were the main source of lighting for certain shots in this scene. The crew needed to time exactly how long the flares would be in the air. So they tested it on a mini model of the city with a light contraption that traced which directions the shadows would move, and how light would fall through the building’s windows. Seeing the landscapes and sets in person was just as important for getting the entire continuous shot down.
The art department built realistic sets from scratch. Each set needed to be able to accommodate the cameras path. For example, the barbed wire the two soldiers walked through in no-man’s land had angled pathway so the camera could get through. Ramps allowed the camera to pass from no-man’s land into the lower german trenches. Meanwhile tunnel entrances had to be the exact right length to accommodate the camera and their cuts. One window was built to come apart so that the camera could pass through it. Perhaps most impressive of all was the 5200 feet of trenches the crew had to build. As some of the most action-packed and challenging shots happen in these narrow pathways, it was crucial to measure everything. Every scene had to be the exact length of the land. So if a scene shot lasted eight minutes, it had to take exactly that long to get through that specific area.
In an interview with Vox, Mendez said they wouldn’t fill the set until they knew exactly how long it should be. This required a lot of rehearsing. While all films require rehearsals, the process for “1917” was much longer and more rigorous. According to Deakins on most films, these rehearsals can take place the day of shooting. But for “1917” walkthroughs were happening well in advance. They started rehearsing at Shepperton studios near London and then moved to the sets. Every single line of dialogue had to be rehearsed on location. The whole process of blocking and rehearsing scenes went on for four months. Once they had gotten the lay of the land measured everything out and made sure every actor knew their lines and hit their marks, it was time to start shooting.
There was another crucial step in pulling off this illusion. The camera could never move backward. Only forward. As the characters had a starting point, and a fixed destination and could never go back. One solution for that letting the camera move 360 degrees. This allowed the crew to constantly move forward and follow the characters without making a visible hard cut. Productions of this size call for heavy equipment. But how is the crews supposed to deal with cameras that needed to be mobile. This solution a new model of high-definition camera that was much lighter and smaller than usual. This gave Deakins the same great image quality, but also allowed for more portability and for the camera to more quickly be attached to something like a crane or a drone. A heavier camera would not have worked with the crew stabilizers. Which were crucial for when the camera operators had to walk and run after the soldiers.
“Creatively Sam and I talked about it we wanted the camera to be quite steady. We didn’t want a jacket camera stuff.”
One can understand why the camera needed to be light, as there were cameras running along wires to capture shots like this one, where Scofield jumps across a broken bridge. The camera also traveled on wires first trip through no-man’s land. It could very easily be unhooked from these wires by a camera operator. Scofield’s journey downriver was captured mostly by a crane. A part of the sequence in which the character drops down an 18-foot set of waterfalls was shot by attaching the camera to a drone.
The constant movement created another big challenge. Lighting a scene. They did use some artificial lighting. Like this 50-foot tall light tower that was dimmed to create the color of fire and meant to light up the entire wound village. However if they put lights in the trenches they might accidentally show up on screen during one of the movies many 360-degree shots. So they relied mostly on natural light. Cloudy days were more optimal than sunny days, as sunny days meant more shadows.
“Coming I’m looking at all my weather apps to see when it’s gonna cloud over. And then is that cloud gonna last long enough to do a 5-minute take.”
And because the movie took place in real time, the lighting had to look consistent. Even a little too much sun in the sky meant production had to shut down for the day.
Deakins’s needed to know not just how shots would look, but how they would be stitched together in post-production. Deacons and Mendes found subtle ways to make those cuts without the audience knowing. This would also help editor Lee Smith immensely. Sometimes an object would block the frame. Shots where characters travel through doorways or entered a bunker also allowed for easier cuts. Take this shot where the two main characters walk through a black curtain. Other shots required even cleverer transitions. In one filling sequence Scofield runs through a burning city and jumps off a ledge into a river. If you look at the same shot behind the scenes, you’ll see George running through that same city and jumping off the ledge. But instead of a river, he jumps onto a mat. With the help of some visual effects the editors were able to seamlessly stitch together the character jumping off the ledge and into the rapids. And to capture him even getting to that point, the camera crew had to make sure they were completely in sync with the actors every movement. Some parts of the maze-like sequence involved chasing after him with a camera attached to a motorcycle. For the big leap, they needed to attach a camera to a longer more flexible crane. But nothing quite matched the challenge of pulling off the climactic sequence in which Scofield runs alongside a trench in the middle of battle. Getting the shot was a huge endeavor.
“We started on a 50-foot techno crane. That was armed in from say as we’re facing George from the right hand side. It climbs up the trench with him as the cameras booming out on the arm. He hesitates at the top of the trench. Then the cameras taken off that techno crane because the cameras basically on a stabilized head called a stable. And they hook it onto another techno crane. And that techno crane is on the back of a tracking vehicle and that’s already slowly moving back. So as they hook it on, it’s all one move that moves back. George speeds up and starts running. Meanwhile the two grips that did that are in costume. So they find a way around to be able to come across the back of the shot. And you don’t see them until that point in costume. And that they were quite glad because they got money for being extras that day.”
Once the camera was on the truck, it had to follow George as he ran for about a quarter of a mile. Meanwhile they had explosions going on in the background. According to Deakins they only had enough explosions for four tanks. And thanks to their tireless rehearsals and walk throughs, they were able to pull it off on time. And while everything they did while shooting had to be so precise, there was still room for accidents. As George is running out of the trench, you’ll see him bump into some extras. That wasn’t planned. The actor bumped into them by accident and they just kept the camera rolling. Had they called cut right away this great genuine moment capturing the chaos of the war would never have made it into the movie.
